图片 33

艺术苦旅之后的辉煌

远方的呼唤栾布油画作品展,于4月16日上午十时在江西省美术馆准时开幕。原本准备在馆前广场举办的开幕式因为一场不请自来的中雨,而改在了馆内前厅进行。出席开幕式的有江西省文化厅厅长池红、师大党委书记田延光、中国美院绘画学院院长杨参军、英国剑桥大学艺术史学博士马克、巴克等600多人。由于人数太多,不少观众不得不伫立在馆外雨中。
我原本想挤进前厅,近距离目睹远道而来的几位美术大腕,因受不了拥挤而退到了馆外,撑着伞聆听开幕仪式。自美术馆建馆以来,我不下十多次出席各类画展开幕式和看展览,但象今天这种规格和规模,观众这样高涨的观展热情是不多见的。
开幕式结束,主持人宣布展览参观开始,在有关领导的带领下,观展的人潮向展厅鱼贯而入,走进宽敞明亮的展览大厅,环顾四周,好大一个展厅内挂满了大小不等、内容不同、各种表现手法、色彩绚丽、画框装饰考究的油画作品。这里展出的120幅油画作品,是栾布深入西藏体验生活,用油画这种特殊语言来表达自己的感受。看到画面,你可以触摸到作者激烈跳动的脉搏,你仿佛置身于藏民祈福的队伍里,站在金灿灿粟米收割的田垄上,在扬鞭跃马准备出发的马队中。你或许看过不少反映西藏题材的绘画作品,图片、画册和原作,但同时欣赏一位画家这么多的真迹佳作恐怕是第一次吧?尤其是观赏到多幅6米的鸿篇巨制,每一幅画作都由2030多位真人大小的人物群像构成。场面气势恢弘,夺人眼球,使人产生强大视觉冲击力。不得不让人震撼和感动。
整个上午的观展,可以说是惊喜和感奋交加,归纳一下,有如下几点感触:
1、作品数量之多,容量之大,品位之高是前所未有的。栾布从酝酿主题到体验生活、从进入创作到作品展览,前后仅6年多的光景,在作品标注的创作时间可以看出,绝大部分作品产生于20122016年之间。其中还有68幅大画。平均每年至少要创作20幅左右。这与有的大画家一年就搞一副精品或几幅作品来说,这种速度是不可思议的。他除了要有对绘画痴迷的精神动力、大量的素材、超强的意志、娴熟的技巧,还要有强壮充沛的体力。然而,栾布克服各种困难和阻力,成为了一位名副其实的高产画家。用栾布自己的话说:我默默地勤奋地画画,排除各种干扰。我自认为有强大的心理素质,不是吗?每年能创作如此多的作品,其中驾驭六米大画的心理承受能力不是什么人都可以做到的,我努力去做了。在这些绘画中可以体会到我的所有心力相倾的收获。
面对自己展出的油画创作,真想感叹地说一声:不容易,真的不容易。对于这一点,我是最有发言权的。去年六月底的一天,我与阔别十多年的栾布见面时,他的衰老程度让我惊愕,当年结实健壮的体形显得佝偻、面庞黑瘦,满头银发稀疏。自我加压,超负荷地用脑和体力并重的劳作,正在透支他生命的承载能力。这种付出,绝不亚于奥运冠军的努力和拼搏。它换回了卓越不朽的精品力作,赢得了广大观众的喜爱和崇敬。
2、他的勇气和挑战精神。长期以来,各种美术作品特别是油画作品中反映西藏题材的作品不胜枚举,其中还有不少以画藏民形象而蜚声海内外的大腕名家。然而,栾布竟在大家逐渐淡出此类题材的时候,逆势而上,挑战自我。在选择画什么的当下,义无反顾,坚定信念,十数次深入雪域高原,沉下心来,体验生活。他说:每一次去,都是那么的兴奋,每一次去,都经历磨难,每一次去又是收获满满。我会在高原寻找广博深远的希冀,我会在藏民中体会生命的呼吸,我会在寺庙里感受上苍的关爱,我会在山水中嗅到自然的情味。这批作品具有宏大的叙事性,栾布用自己的视角,全景式的表现了西藏人的生活状态,真实反映了他们的性格特征与情感,具有雪域高原特有的气息。这批作品还有宽银幕的全景式特征,彰显了西域特有的天宽地阔之境。作品再一次带领我们神游西藏,去感受天湛蓝,水碧绿、雪洁白、人憨厚,淳朴的奇情美景。
3、他作品深刻的文化素养和创意。这种精深的文化内涵和修养,来自于广博的阅读量和深邃的思考及感悟能力。他是我们这一代50后最早使用微信来阅读美术评论和欣赏中外艺术作品的画家。数年来每天阅读分享转载3-5篇文章及绘画作品,这一习惯,成了他必做的功课,无论创作再忙,身处何处,乐此不疲。它对于艺术观念的更新和作品品质、风格的形成、提升是潜移默化的。栾布感慨到:我画的题材相对于时尚语言来说,似乎有些陈旧,但仔细品味,这些油画中也是有许多的现代时尚符号包含其中的,现在绘画构成式的运用,对造型形式感的现代表达,对色彩前卫性格的探索,符号化、痕迹化、材料化的解析重组,特别是对画面多种绘画因素,节奏和韵律的掌控等等,都是我多年来绘画研究修养的集中呈现。行家如果看过他的作品,只要稍加揣摩,不难发现,他对油画作品的风格、形式、色彩、笔触的思考、探索是全方位的,特别是近期人物、风景画作品,有国画写意的神韵和风采,耐人玩味。这种改变和提升,如果没有扎实的写实造型能力和艺术修养为前提,那是不可能达到现在此种境界和水准的。这类作品有《丰收曲》、《节日里的少女》、《歌舞手》等。
关于栾布作品题材及表现的问题,我也听到过一些议论,他们在肯定作者技能造型基本功扎实老道的同时,提出来说他的作品没有形成个人风格、特色。基本上是马宏道、陈丹青的翻版。对于这种观点恕我不敢苟同。原因有:画作产生的年代背景不同,尽管都是画西藏题材80-90年代主题性绘画是崇尚写实主义的年代,西藏当时还相对贫穷、落后、民风古朴,画家用写实画法记录了真实的藏民生活状态。形象黑瘦,表情木纳严肃,行为困顿。然而今天的西藏通过改革开放,在祖国强大的人力物力支援下,已发生了翻天覆地的变化。栾布油画上呈现出的藏区是阳光灿烂、处处充满生机活力、朝气蓬勃的兴旺景象,藏民的脸上洋溢着喜庆的精神面貌。表现形式不同,先前看到表现藏民的画面,多采用古典写实表现手法,对于反映古朴民风、民俗和他们的情感气质比较贴切自然,但表现形式相对单一。栾布的油画取向多元、丰富多彩。有以写实、叙事性见长的画面。例如几幅大画,象长篇小说,得细细品味;有写实写意结合、抒情味较浓的画面、让人回味绵长;有以色彩夸张,艳丽表现激烈情绪的画面、刺激过瘾;还有以类似色营造温馨情调的画面像散文,似小溪潺潺流水;更有以写意为主的探索性绘画形式像诗歌痛快淋漓。用栾布自己的话说这样做是为了满足不同审美、不同爱好的观众的欣赏需求,也是挑战自我的大胆尝试。绘画本体语言开发利用不同,写实绘画,在过去曾经占据主导地位。然而随着当今图像泛化的年代,主题性创作面临诸多困境,和摄影镜头相比,在情节和叙事上写实优势被弱化。栾布寻求在绘画本体语言上推成出新,首先更新对主题性绘画的认识,赋予它更宽泛的定义,将抽象、表现性绘画观念研究与形式性研究包括在其中。发挥油画材料的特长,在表现手段和方法上做更多的探索思考与处理。在生活体验上不断寻求新感受,力求在创意上赋予更多的人文性质,提升作品的品质和内涵。
有人一谈到绘画风格,还是理解为一种符号化,固定表现模式,这样未免有些过时了,不符合多样性和与时俱进的创新理念。持这种观点的人对栾布艺术探索的经历不甚了解。他们不妨亲临展览现场,仔细观看研究栾布作品真迹。应该会有先前不一样的感受。
4、作者炉火纯青、娴熟老练的油画技巧令人惊讶。他把对藏民的深情厚谊倾注在画笔上,用成竹在胸,行云流水般豪放的笔触表现在画布上。特别是栾布善于掌控大画面。行内都有一个共识:绘画中人物难画,画群像更难,画大型群像难上加难。然而,他却迎难而上,以惊人的意志、驾轻就熟的技法征服了难关。在众多人物组合中,对整体画面的节奏、主次、疏密、虚实都拿捏的恰到好处。尤其是在人物肖象细节的刻画上,花费了大量的心力,人物的个性特征、表情、动态、服饰等都反复推敲,琢磨。出神入化,惟妙惟肖,真切感人。代表作有《在阳光灿烂的日子里》、《收获季节》、《高原骑士》等。画作场面之壮观、构成之美妙、色彩之绮丽,塑造之精微、笔触之潇洒。让人过目不忘,流连忘返。
远方的呼唤栾布油画作品展是他整个艺术生涯中完美的一次亮相,它为振兴江西美术起到积极地推动作用。他的示范作用不可小觑,他召唤更多的有志于在绘画道路上跋涉的人们,尤其是青年画家,要丢掉幻想,摒弃浮躁,脚踏实地走好每一步,在画什么,怎么画的思考和选择上把握好方向,不断在油画本体语言上推陈出新,在生活体验中寻求新感受,要与时俱进在绘画形式上寻找突破和创新。
作为栾布的朋友,我钦佩他对艺术的痴迷和执着,祝贺他的油画作品成功展示。更关心他的身体健康,希望他在今后的艺术道路上,走的更从容坚定。毕竟是60岁的人啦。珍惜生命也是珍惜艺术。栾布不妨在画画之余调剂一下,将自己西藏艺术苦旅和创作经验,作一次总结和纪录,让它成为一笔珍贵的文化遗产传承下去,发扬光大。

问题:为什么有的油画笔触很明显,有的不不明显?

自从南海岩的《阳光璀璨》《净土》分别获第九届全国美展、第二届中国画大展铜奖后,尤其是《虔诚》又入选百年中国画大展,他在美术界和广大群众中已有相当的影响。随之,他又先后创作了《远思》《祈福》《金谷》《浓情》《信徒》《春的企盼》《沧桑》《盛世吉祥》等一大批表现雪域高原藏民的肖像式作品,以浓墨重彩的写实主义风格,刻画着那些不知道自己多么苦,也不知道自己多么美(陈丹青语)的藏民们血肉丰满的形象,描绘着他们岁月的沧桑和对生命的礼赞,以其自然、真实和内在性牵人心魄,充分体现了藏族同胞灵魂深处的质朴无华之美。南海岩凭借自己非同寻常的资质而蜚声中国画坛,获得了极大的成功。

回答:

这种轰动画坛的南海岩现象所以引入注目,并不在于他所表现的藏民题材的新颖,因为这一题材早已有不少艺术家涉猎过,他的卓荦之处在于他以西藏题材为载体对中国写意人物画的发展进行了最强有力的推动。他以罕见的彩墨辉映和精微写实相结合的语调如泣如诉地实录着藏民的坚忍与敦实、苦辛与欢乐、内敛与崇高。它的最大特征是借西方写实之法为中国画注入了新的发展动因,提升了中国人物画的表现力度和深度,弥补了崇尚水墨的写意人物画对写实造型和色彩的诉求。他坚持中国的文化身份和文化立场,将西方素描、色彩的造型观念与方法圆融于中国画的笔墨之中,精心塑造人物的个性及细微的神情变化。他试图运用中国画的工具、材料及表现方法去追求西方油画的那种凝重、深沉、丰富、细腻的写实画风,让色彩与水墨结合,服务于造型结构,让光影、明暗加入中国绘画体系的固有文化血脉之中。在他的作品中,西法已失去本来面目而成为他的人物画中的一部分,而他的人物画也因汲取了外来文化而形成与过去不同的现代形态。他以他的作品告诉人们,中国人物画有着偌大的发展空间,具象和写实的手法仍具有深化和发展前景。

谢邀请,油画艺术越来越得到热捧,是它的颜值和魅力能振奋人类心神,其实不论是中国画还是油画,在技法上都有相同之处,即写实技法和写意技法,最大区别是使用材料,中国画写意注重的是“水“的运晕效果,国画的写实就是工笔画。在油画上,写实派与写意派技法上,不论是色彩理论还是素描关系,都是相同的,区别只在于保留笔触或柔染笔触上。
图片 1
图片 2

如果说,新写实水墨人物画的奠基者和开山人的徐悲鸿,于20世纪上半叶借西方古典写实主义技巧来改造传统的不似之似的中国画,拉开了中国画艺术革新运动的序幕,得益于他留学法国研习画面的经历,那么,走向新世纪的南海岩,所创造的彩墨写实人物画所具有的个性化风格,则源于他的西藏之旅,源于他深入藏区腹地的实境感受带给他的心灵震撼。1996年,他第一次去甘南,就情不自禁地惊呼:这才是我想画的东西!他发现了一片好像从来就属于自己的领域藏族同胞和他们的生活情态使他身心触动。感动他的是雪域高原淳朴天然的风物,是浑厚朴质的民风,是坚忍、厚拙、敦实的形象,是藏民强旺旷达的性格和壮悍粗犷的生命,还有虔诚的宗教信仰等等。他觉得,西藏的景更具有自然的原始状态,西藏的人更具有人的本质和自然天性,他的亢奋使他觉察到以往水墨写意人物画表现力的无奈和苍白。面对令他动心动情的雪域高原,如果没有色彩的介入就无法表现它的灿烂与神奇,没有造型的深入就无法表达藏民内心世界给予他的真切感受。他想到陈丹青《西藏组画》的平实与深沉,他想到列宾、苏里柯夫等俄罗斯油画的写实造型和色彩表现力,他想到毕加索对中国绘画元素的汲取,为什么不可以尝试引入油画的元素以丰富水墨技法?是否可以用中国画的笔墨表现出西画所呈现的色彩感、现实感,不妨试一试。南海岩的创造性思维就萌生于这一念之间。显然,对西方造型方式的理解和传统的笔墨功力帮助了他,反复地试验使他成功地营造出一种彩墨写实的语言修辞方式以西方色彩、国画色彩、自然色彩交汇而成的情感色彩,与丰富的线形变化和丰富的皴擦相间的线面关系相交融,并把西画造型的光影明暗的素描关系不露痕迹地融入形象塑造的笔情墨趣之中,笔中见墨,墨中见笔,色中亦见笔,墨衬色辉,色显墨韵,充分强调了人物画的写实性和表现性,着力于人物的精神性、个性化的表现。在精工不苟和刻画细微的前提下,追求博大厚重、流光溢彩的语境,突出了绘画性,强化了视觉张力,熔铸了自己独特的感受和深情,体现出一种前所未见的精神气象和现代特征。

中国画的水墨写意画,笔触的润味,给人无限的想象空间,是—种意境,油画留有笔触也是—样,就如我们日常生活,小麦面粉,可做成面条,面片,面饼,面包,面糊,形状变了,味道变了,颜值变了,其营养价值仍然保留的还是面粉成份。
图片 3

从艺术的角度来梳理,南海岩的这种人物画风深受徐蒋学派乃至这一学派有成就的画家影响是肯定的。如周思聪、卢沉、方增先、刘文西、王子武、王明明、史国良等各具特色的艺术风格,都在南海岩的艺术中起着潜移默化的作用。同时,在这一体系之外活跃于中国画坛的一些画家,如石鲁的没骨人物,黄胄的速写线条人物,石虎的抽象变形人物,石齐的彩墨表现主义人物,都曾让南海岩迷恋过,动心过,都或多或少地影响着南海岩艺术道路的抉择和思考。

油画创作者根据个人爱好习惯及艺术效果的不同,使用坏境的不同,篇幅大小不同,使用不同的使用工具来创作不同题裁的作品,有人说,画油画,就是玩色彩,玩笔触。不错,油画创作的写实或超写实画法,会把笔触晕掉,产生柔和的过度转折,棱角不是很明显,其使用工具较软,有些时候会用自己的手掌,手指蛋直接来晕染,使用自己的皮肤纹理来达到特殊效果,写实的油画近观要求特别细致,即远观是精品,近看还是精品,但这种创作费时费工,非常考验作者创作意志,是油画精工,在小幅作品上,—般要求是精工,如人物俏像画,人体造形画,精工具有优势。
图片 4

南海岩是一位令人佩服的画家,作为后学最终还是脱出了前辈画家的窠臼而寻找到了自己的路。他所创造的彩墨写实人物画,既不同于倾向文人画写意传统的南方画派,也不同于注重结构强调造型的北方画派,更无用毛笔画素描之憾。在同是从写生入手的人物画中,又不同于叶浅予、黄胄从速写切入的选择,在同是彩墨并举的表现中,也不同于从西方近现代艺术取道的石齐、石虎一路,他是在既非西方写实又非传统水墨的两者之间别开了独立的天地。他的独特性主要表现在以下诸点:

大幅的油画,或巨型油画宣传画,在超远的距离才能赏其真容,这种画,需用大块的色块来表达色彩效果,近看都是各种色块和板刷的印迹,由于视角的局限,难观全貌,所以巨幅画即使作者用超写实手法来作画,给人的印象仍然是笔触和色块。
图片 5

第一,南海岩的艺术之根是扎在对藏民生活的深切而强烈的感受上,用他的话讲,我的人物画是在直面现实、直面人生感动后引发的,顺其自然对我再合适不过了。正因为是顺其自然,他的作品便不期而然地流露着一种浓郁的生活气息和隽永的人情味,表现出对藏民生活疾苦的关注而引起人们人道主义情感的共鸣。他的作品均是藏胞生活中的寻常所见,这里没有矫饰,没有人为的
非常崇高、重大、深刻主题的艰辛,也不是飘逸、调侃、游戏笔墨人生的逍遥(南海岩语);他讨厌用绘画去揭露什么,也不喜欢那种高于生活的莺歌燕舞的欢欣笔调;他强调直观切入的沉重感,则把这种沉重感纳入美的观照,却不是那种悲凉哀愁、孤寂冷漠的伤感情调;他的全部努力只是把藏民普通生活艺术地还原到那种纯视觉的质朴美的程度,只是把在生活中大多是偶然获得的感受最深的一点画出来,似乎又在无意之中感染着观者,是情感?是形象?是构图?是色彩?是笔墨?好像什么都在起作用,一条皱纹,一绺头发,一个眼神,一串佛珠,一双老手,一件羊皮袄它们都是南海岩个人真切感受的写照,都是他把炽爱与怜悯、现状与希望交织在一起的产物,实现着画家的初衷让艺术说话,在作品中留下一份真诚(南海岩语)。

油画习作,写生作品,教学示范作品,由于创作时间限制,创作时,作者考虑的多时色彩素描关素,色彩层次关系,在作画时,对笔触不会作任何处理,教学示范画,为了让学员理解色彩,还会有意摆排笔触,通过笔触排列,了解用笔技法和学习色彩对比效果的应用。
图片 6

第二,就是南海岩近年来已经被美术界和观众所认可和熟悉的彩墨交融的倾向于具象写实的人物画。在这类作品中,他创造了稳定风格,摸索了一套技巧技法,升华了绘画效果,在人物画的精神探求和形式探求两方面做出了突出成绩。
他的彩墨是相对于水墨而言,他的写实是相对于写意而言。准确地说,他的彩是重彩,他的墨是浓墨,他的写实人物强调的不只是外轮廓的勾勒,更注重于轮廓内的具体刻画;它不是那种常见的用简单的笔线勾出五官特点的写意性描写,以笔简神完或笔简意足为最高目标,而是在宣纸上极致地捕捉人物面部的细微表情和人物之间的情感传递,写实的程度似有直接取自于照片的逼真,他使写实的人物在惟妙惟肖上达到令人惊诧的地步。为摆脱写意人物画的概念化套路,为增强写实人物画的表现力和丰富性,南海岩做了大量的中西绘画的嫁接与融合工作。比如,在色彩上为了表现内容的需要,他采用丙烯堆塑剂,不但使色彩有色度、明度,而且有厚度、高度,做出了浅浮雕效果。有时他以水墨的洇晕为基础叠加色彩,造成既灵动活泼又富于质感和层次感的特殊画面效果。有时他淡化用线,或者不用线,纯以色彩塑形、造境。有时虽用线勾勒,但线形已隐在浓重的色块或层层渲染的色彩之中,仍有线意。局部的细腻与整体的厚重、西方写实主义的理智借鉴与笔墨传统的相互生发,使他的人物画技法日趋精致化,呈现出多种彩墨辉映的塑造感,坚实的造型拥有了朴实厚重和绚丽端庄的气度。

油画风景画,笔触有举足轻重的作用,如坚硬的山石,非要钢刀的棱角和色彩的厚堆才能达到硬,锐,光,滑的效果,树的叶,老皮,枯枝,只有柔的笔法,粗的堆积,才能仿制特殊效果。在风景油画创作上,不会摆笔法,不会排色块,没有扎实的素描基础,没有扎实的色彩知识,没有漂亮的笔触,就不能画—幅好风景画。
图片 7

第三,出于表现的需要,南海岩借鉴肖像摄影艺术的技巧,以近镜头拍摄人像的取景方式经营画面,其中包括构图、用光、影调、色调、质感、瞬间、角度、情绪、气氛等要素的运用,突出了人物的表征,使画面富于张力和强劲的视觉冲击力。无论是一个人的特写还是两个人或多人的群像组合,大多为半身像。在这种类似于油画肖像的表述中,南海岩冲决了典雅却程式规范化的经典套路,抛弃了流行的写实水墨的抒情矫饰和空泛,他极力捕捉最富生活化的姿态和角度,强化他们的自然状态,人的面孔是他人物画艺术的核心,更是他重点描绘的对象。他孜孜以求的是色彩与笔墨紧紧地围绕着写实造型以显示出神采,而不是与造型的分离,他试图用有限的篇幅表达更为丰富的内容,尽量让形象感人。在中国人物画的创作中表现这种近距离的真实美是需要有点勇气的,成功与否是画家造型、笔墨、色彩的功底和综合能力所决定的。南海岩的作品已经作出了解答。尤其值得一提的是,生活感受的独特性会改变艺术的构思和经验手段。在南海岩这种近距离地表现主人公的作品中,总是把主人公置身于与他生活休戚相关的流动而辽远的自然怀抱里。这种人物与实境的融合,构成了他人物画最显著的特点和动人的色泽,不仅复现了人物的自然生态环境,而且使画面充满了生活的诗意,具有浪漫主义的情调。

油画写实,超写实是精工,油画美笔触才是油画艺术。

十多年来,南海岩创作了很多作品,他的上述风格也已为画界所熟悉,他的探索也渐为学术界和收藏界承认和看重。对南海岩来说,造型的写实和独树一帜的彩墨处理,既是形式的探求,也是精神的寻找。我们不难在彩墨相辅相成所塑造的淳朴、丰厚、精微、深刻的形象背后,感受到画家的特质、才华和天赋,感受到画面含蕴的人道情感在不断地撞击着观者的心灵。在他的一系列作品中,人们还能觉察出他情感深处一贯的那种宽厚、善良与真诚。因此,南海岩所创造的彩墨写实人物画,显示了一种艺术特色的形成,必将作为现代中国艺术史的重要现象存留下来。

回答:

我以为,南海岩是在东方与西方、传统与现代、艺术与生活的融合中崛起的精英。任何一种代表着当代艺术发展方向的表现形式,都将会得到学术界的肯定和褒奖。中国人物画的希望和前途惟在于创新。那么,研究这一现象产生的本源,探讨这一画风的艺术特色,解析这一画法的奥秘,认识这一创造的现代意义,则是我们编辑出版本书的鹄的。做为艺术的回顾,这是一次总结,也是一次研究,是为了交流,也为了促进。从这里,我们可以窥见艺术发展中继承传统和创新的辨证关系,可以从南海岩的艺术发展历程中得到多方面的启示。今天的人物画家们,需要的是南海岩的那种进取志气、革新胆识以及广博地学习、勤奋地实践、不畏艰辛、探索再探索的精神。

笔触不明显的多为写实,非写实则笔触较为明显。所谓‘’笔触‘’即绘画中的笔法,又称为‘’肌理‘’,通常指油画和水粉画运笔时在画布或画纸上产生的痕迹……。

图片 8
笔触明显的非写实人物肖像

图片 9
没有笔触的油画写实人体

图片 10
没有笔触的油画写实静物

图片 11
没有笔触的油画写实花卉

画家运笔借助颜料的厚薄对比、调合剂的浓淡变化、落笔的轻重力度、运笔的快慢节奏及点染的气韵感觉,体现对象质感、量感、体积感和光影虚实的描绘能力。笔触与物象表面贴切吻合,造成很强的真实感。另外,笔触也和线条有某种相同的涵义,不同的笔触感觉有不同的表情特征,成为画家性格、情趣、艺术秉赋的自然流露,表现为画家的艺术风格和个性特征。肌理则指运用颜料厚薄不同的笔触,或其他方法在画面上形成的表层组织效果,又称画面的物理效果,如结合表面质感需要在颜料掺合沙子、木屑等方法,使画面在一定光线下,表层结构显示出富有表现力的凹凸变化。此外还包含绘画底子的因素,如画布的粗细以及纹理的横斜构造等。恰当选择不同质地的绘画底子,合理运用材料的肌理效果,也有增强画面本身美感因素的作用。
笔触虽为一种技术因素,但也传达出画者的艺术个性和修养,所以也是画者的一种艺术风格。

回答:

百花齐放才是春。不仅是油画,而是所有的艺术创作在表达手法上都没有放之四海而皆准的绝对标准,比如中国书法分真草隶篆,同样楷书还有颜筋柳骨等说法;中国的传统绘画也分工笔写意两种流派,等等。而油画由于工具上七十二变的不拘一格,在画面呈现上比中国画更丰富更有质感。
图片 12图片 13

由于画家本人的风格和追求不同,各种流派的油画在画面上有的细腻有的粗犷,于是呈现出不同的视觉效果。一般来说,古典主义写实风格居多,特别是超写实主义更是登峰造极极尽惟妙惟肖之能事,在画面呈现上尽可能淡化笔触的痕迹,有些甚至采用砂子打磨等特殊的技巧将笔触消除。而印象派、表现主义是最典型的对笔触不叫修饰的反而故意夸大呈现的一种风格。其他诸如超现实主义、野兽派等流派对笔触看上去十分随意,有的明显有的不明显。

图片 14
图片 15

对笔触的态度其实反应了一幅油画的内在追求的不同,也体现了艺术家本人的创作态度和审美原则。在油画艺术流派纷呈的当下,笔触也成为辅助性甚至有时还是决定性的一种技术性手段,内敛温婉的风格大多笔触不明显,而表达内心那种激烈澎湃感情的作品大多笔触也十分狂野,这种选择无所谓高下,主要是基于整个作品整体风格和谐统一的需要而作出的理性选择。
图片 16

图片 17

吴冠中曾经说过“笔墨等于零”,意即“脱离了具体画面的孤立的笔墨,其价值等于零”,其实对油画创作而言,未尝不也是事殊理同,脱离具体的画面谈论笔触意义不大,也可以说“笔触等于零”。

回答:

你好,亲,很开心回答你的问题

有些油画作品笔触很明显,艺术视觉效果强烈,如画家闫平的油画作品,运用厚重肌理效果的笔触,丰富多彩苍劲的笔触,塑造画面的绚丽多彩的抢眼艺术效果

图片 18

而有些油画,明显是通过揉,擦,抹的油画技法让笔触消失,以达到写实的艺术效果

如果古典油画

图片 19

如画家冷军的作品,丝毫不见油画笔触,只是为了达到像素超过照片像素的真实艺术效果

图片 20

为什么画家的作品笔触效果都不尽相同?风格不一?

艺术,是一个百家争鸣,百花齐放的领域,每一个画家都在尽情发挥自己的才华,每一个画家的绘画风格都是不尽相同的

不然就不会涌现出诸多画派,如古典画风,抽象画风,表现主义画派,立体主义画派,未来主义画派等等

一千个读者有一千个哈姆雷特,如果每一个画家的作品,都像是一个人画的,那么艺术就没有意义了

图片 21

而笔触,是一种独特的艺术语言,有利于塑造油画厚重肌理的艺术效果,厚重的艺术效果,给观众带来不同于古典油画的视觉效果

图片 22

笔触,是画家作画时不经意的痕迹,是无意识的,非理性的作画痕迹,艺术痕迹,是画家展露主观情感的艺术语言

如上图,画家吴晓林的油画作品《醉酒的女人》

画家就用了奔放洒脱的笔触,表达一个女人若隐若现的意境,表达醉酒后迷离恍惚的精神状态

洒脱奔放的大气笔触,把一个女人醉酒后恍惚梦幻的精神状态表现得淋漓尽致

如果用写实具象的绘画风格,是不会把醉酒后的精神状态表现得这么到位的

之前的回答也提到过,绘画中的形式美感和内容是统一的,相互依存联系的

有些绘画题材,适合用洒脱厚重的笔触表现

比如,林泉画的荷韵题材,为了表达中国东方艺术的神韵和意境,所以适合用国画中书写性的笔触,松节油营造的水墨流淌的艺术肌理效果,用油画表达中国艺术的意境

图片 23

再比如画家德库宁的油画,为了表达狰狞凶恶的女性形象,所以适合用激荡,迅疾,猛烈,疯狂的笔触线条来表达
图片 24

而有些绘画题材,是不适合用笔触表达的

比如文艺复兴时期的油画,多是表达圣母题材,圣母宁静优雅端庄的形象,是不适合用疯狂的笔触表达的

图片 25
图片 26

典雅庄重的女性形象油画,是不适合用激荡疯狂的笔触表达

形式美感和内容是统一相互的关系

所以为什么有些油画有明显的笔触,多是表达画家疯狂激荡的主观情绪宣泄

有些油画通过揉,擦,抹,消失了笔触,多是表达静穆,典雅,庄重的绘画风格

回答完毕,希望对你有帮助

回答:

感谢题主提出这么一个值得讨论的话题!

这个问题很好,目的明确,针对性强,给答主们的方向也很明确,不像有些艺术类的问题,要么范围太大,要么看了半天不明所以,很多回答都只能模模糊糊的来解答!

我们这里讨论一下油画笔触的问题!在回答这个问题之前,我们先看两张素描,你没看错,就是先看两张素描而不是油画!

素描一▼
图片 27

素描二▼
图片 28

大家可以看到素描一笔触非常明显,素描二笔触很难发现,但是两者都精准的表达出了对于人物头像的结构的了解,都很好看!

那么接下来我们再看两张油画作品!

油画一▼
图片 29

油画二▼
图片 30

我们发现油画一的笔触比较明显,油画二的笔触非常细腻,很难发现!

为什么会这样?笔触在绘画中有什么特别的作用吗?答案是有的!

我们来看一下蒙克的《呐喊》▼
图片 31

大家看到,蒙克作用强烈的笔触和强烈的色彩对比,再加上扭曲的人物形象,生动的给我们呈现了一种诡异、焦虑、恐惧的感觉!

我们想想,如果蒙克用很细腻的笔触去表达,虽然也可以表现出来恐惧的感觉,可是还有这种强烈的笔触所表达出来的效果好吗?

笔触也是艺术表达的重要因素之一,不同的笔触给人的感觉完全是不同的,这一点不论是西方油画还是中国画都一样,中国画中有干枯的笔触,也有水润肥厚的笔触,比如说钟馗像,在比如说女性像!

钟馗像▼刚烈的感觉
图片 32

国画女人▼柔美之感
图片 33

你看,不单单只是油画,国画也很注重笔触的表达,选择什么样的笔触完全取决于你想表达什么样的情感和内容!

回答:

西洋油画的发展有三个阶段: 1.幼稚阶段。2.成熟阶段。3.情感表达阶段。

第一阶段因为是初始,所以画和笔触都粗糙。第二阶段趋向完美,比如说学院主义安格尔及大卫的作品。第三阶段是绘画技术的完美引起了画家们对完美的不满足,他们想追求更具魅力的表现手段,特别是印象主义的莫奈、雷诺阿,都尝试用很粗犷笔触表达眼前事物。

以上三阶段是根据我的自我理解而杜撰的,表达不一定准确,只是大概。

回答:

因为有的油画画家想要笔触明显,画面笔触自然明显。画家不想要笔触明显的画面笔触自然不明显。这都是画家控制着呢!

如果想要笔触明显可以用笔毛硬一点的画笔,画出来的笔触就很明显。如果想画没有笔触的画就用柔然一点的画笔,笔毛也很细。画画时来回扫颜料就可以把画面画的很光滑。没有笔触。

回答:

真的艺术家。世界级别的大家在绘画上都应有所创造,如用笔用色。这些画家的创作是用毕生创造的,任何后人学生用几年或几十年想学到手,你想有可能吗?白石老学生多有几人能学到白石的精髓呢?只能学皮毛而已。

回答:

风格不一样,有些为了肌理,砖头茬子,破步,废纸等等什么都往上用。有些古典画法通过揉擦,打磨,罩染掩盖笔触痕迹。各有各的审美和用途!

回答:

明显为动,不明显为静。这与个人审美风格有关,更与时代风格有关。例如古典油画没笔触,现代油画多笔触。笔触的形式语言决定情感思想和画面气息。

2011年9月5日于北京王府花园